“La cámara no quiere verte actuar. La cámara quiere verte revelar quién eres"
Miranda Hardcourt
Este taller anual, con un compromiso mensual, está pensado para actores y actrices que quieran afianzar su trabajo frente a la cámara desde un enfoque técnico, dinámico y colaborativo. El objetivo es entrenar con libertad, sin la presión del resultado, adquiriendo una técnica sólida y precisa que mantenga la “maquinaria engrasada” de cara a futuros castings o sesiones de rodaje —muchas veces terrenos hostiles—, permitiendo así ganar seguridad y calma. Solo con disciplina y horas de vuelo frente al objetivo lograrás dominar tu instrumento y obtener mejores resultados.
Aquí la cámara no es un enemigo: es un espacio de juego, exploración y verdad. A diferencia de los formatos tradicionales, proponemos un entrenamiento colectivo donde el grupo es sostén y motor creativo. La autenticidad de cada intérprete se convierte en la base de una presencia genuina y poderosa frente a la lente.
compromiso mensual
Podrás decidir en qué meses quieres formar parte del laboratorio y unirte según tus necesidades o disponibilidad.
- 16 horas lectivas mensuales (Sesiones semanales de cuatro horas de duración).
- Grupos de mañana 0 tarde.
- Grupos reducidos de 8 a 10 miembros para asegurar atención personalizada.
trabaja en cada sesión
Enfoque dinámico y colaborativo: participación activa en todas las sesiones.
Trabajo instrumental y grupal: ejercicios para dominar tu instrumento, fomentar la exploración, el juego y la fluidez frente a la cámara.
Interpretación sobre secuencias: escenas de cine y series españolas actuales, con foco mensual en un aspecto técnico específico.
“No puedes crear resultados, solo puedes crear las condiciones en las que algo puede suceder"
Anne Bogart
El conjunto de herramientas que posee un actor constituye su instrumento, y la disciplina es fundamental para que esté bien afinado y disponible. Muchas veces habrás experimentado la frustrante sensación de que, llegado el momento, tu instrumento no te permitía desplegar con plenitud todo tu potencial; en otras palabras, la técnica —o la falta de ella— limitaba tu arte. Este taller tiene como objetivo poner a punto tus herramientas para que tu talento pueda manifestarse libremente.
Ofrecemos la oportunidad de adquirir una metodología sólida y concreta, basada en los postulados de reconocidas coaches como Susan Batson, Ivana Chubbuck y Miranda Harcourt. Una metodología vanguardista, adaptada a las necesidades del actor contemporáneo y a las exigencias de la industria, que te permitirá dotar de verdad y autenticidad tu trabajo frente a la cámara.
En este laboratorio te proponemos abrir la mirada y nutrirte del entorno para transformar la técnica en un aliado, y así, dominar el medio. Ejercitar el juego lúdico y colaborativo te ayuda a estar más presente y disponible para la creación. Aprenderás a entender que la vulnerabilidad es el motor creativo que permite trabajar con una verdad íntima, base para imaginar al personaje, y que esta autenticidad debe traducirse en decisiones claras y veraces frente a la cámara.
Domina tu instrumento frente a la cámara: siete claves técnicas para ganar seguridad, confianza y presencia escénica.
01. La marca técnica y las actividades físicas.
En rodajes y castings, el actor debe moverse de forma orgánica respetando las marcas técnicas y el raccord, integrando la actividad física en la interpretación. Es fundamental aprender a integrar (o trabajar) con la marca, como parte creativa de la construcción del personaje.
02. Escucha activa y radical.
En la escucha, el personaje revela su esencia, conflictos y la autenticidad de sus emociones, que pueden ir en contra del discurso verbal pero se reflejan en la mirada y el gesto. Los directores de casting valoran especialmente esta verdad interna, ya que distingue a un actor amateur de uno que domina la técnica.
03. Transición emocional en plano.
La actuación es el arte del cambio. Ver a un personaje evolucionar en directo refleja la esencia de la naturaleza humana y la riqueza del oficio. Confiar en su tránsito y evitar aferrarse a una única emoción permite que la interpretación sea auténtica y multidimensional.
04. La emoción y la vulnerabilidad.
Explorar nuestra propia vulnerabilidad y aprender a estar cómodos con ella nos permite transmitir autenticidad frente a la cámara, al tiempo que descubrimos y ampliamos los rangos expresivos que conforman nuestra paleta interpretativa.
05. La acción, el objetivo y la ocultación.
La acción constituye la base sobre la que se construyen la escucha y la emoción, y es fundamental identificar las fuerzas en juego, los cambios de acción y lo que el personaje oculta para lograr sus objetivos.
06. Rostro, el microgestos y la mirada.
En cine, el rostro y la mirada son el mayor recurso del actor, reflejando el mundo interior del personaje. Trabajar la relajación y crear imágenes internas permite transmitir autenticidad y precisión en cada gesto.
07. El casting, autenticidad y tu esencia personal
Superar una prueba de cámara con seguridad requiere claridad sobre tu propuesta y canalizar tu energía natural. Al mismo tiempo, es esencial adaptarse a las indicaciones sin perder tu autenticidad.
"Prefiero pensar en mí como una figura de acompañamiento: alguien que ofrece sostén, que aparta miedos y abre caminos, más que un mentor que impone una visión.
Amo la interpretación, a los actores y esos mecanismos subterráneos que construyen la verdad de una actuación. Para mí, es un privilegio cuando un actor deposita en mis manos lo más valioso y vulnerable que posee: su instrumento. Mi responsabilidad es cuidarlo y crear un espacio seguro en el que podamos, juntos, ir desentrañando el misterio que da vida a un personaje."
Julio Vargas Buendía
Director del laboratorio
